54 ציורים מפורסמים שנעשו על ידי אמנים מפורסמים

להיות אמן מפורסם בחייך זה לא ערובה שאמנים אחרים יזכרו אותך. שמעת על הצייר הצרפתי ארנסט מייסונייה?

הוא היה בן זמננו עם אדוארט מאנט ועם זאת האמן המצליח יותר בעניין שבחים ובמכירות ביקורתיים. ההפך נכון גם הוא, עם וינסנט ואן גוך. ואן גוך הסתמך על אחיו, תיאו, שיספק לו צבע ובד, אולם כיום ציוריו משיגים מחירי שיא בכל פעם שהם עולים למכירה פומבית של אמנות, והוא שם ביתי.

התבוננות בציורים מפורסמים בעבר ובהווה יכולה ללמד אותך דברים רבים, כולל קומפוזיציה וטיפול בצבע. אם כי ככל הנראה הלקח החשוב ביותר הוא שבסופו של דבר עליכם לצייר לעצמכם, לא עבור שוק או דורות הבאים.

"משמר לילה" - רמברנדט

ציור "משמר הלילה" מאת רמברנדט נמצא ב רייקסמוזיאון באמסטרדם. כפי שהתמונה מראה, זהו ציור ענק: 363x437 ס"מ (143x172 "). רמברנדט סיים אותו בשנת 1642. הכותרת האמיתית שלה היא "הפלוגה של פרנס באנינג קוקק ווילם וואן רויטנבורץ '", אך היא ידועה יותר בדיוק כ משמרת לילה. (חברה שהיא שומר מיליציה).

הרכב הציור היה שונה מאוד לתקופה. במקום להציג את הדמויות בצורה מסודרת ומסודרת, שבה כולם קיבלו את אותו הבולט והמרחב על הבד, רמברנדט צייר אותם כקבוצה עסוקה בפעולה.

בסביבות 1715 נצבע מגן על "משמר הלילה" המכיל שמות של 18 אנשים, אך רק חלק מהשמות אותרו אי פעם. (אז זכרו אם אתם מציירים דיוקן קבוצתי: ציירו תרשים בגב שילך עם שמות כולם בעתיד בדורות יידעו!) במרץ 2009 סוף סוף גילה ההיסטוריון ההולנדי בס דודוק ואן הייל את התעלומה של מי הוא צִיוּר. מחקריו אף מצאו פריטי לבוש ואביזרים המתוארים ב"משמר הלילה "המוזכר במלאי אחוזות משפחתיות, שאותן הוא אסף עם גילם של אנשי המיליציה השונים בשנת 1642, השנה בה היה הציור הושלם.

דודוק ואן הייל גילה גם כי באולם בו נתלה לראשונה "משמר הלילה" של רמברנדט, היו שש קבוצות דיוקנאות של מיליציה שהוצגו במקור בסדרה רציפה, ולא שישה ציורים נפרדים כפי שהיה זה זמן רב מַחֲשָׁבָה. במקום זאת, ששת הדיוקנאות הקבוצתיים של רמברנדט, פיקונוי, באקר, ואן דר הלסט, ואן סנדרארט ופלינק יצרו אפריז לא שבור שכל אחד מהם התאים זה לזה וקיבע בחיפוי העץ של החדר. או, זו הייתה הכוונה. "משמר הלילה" של רמברנדט לא מתאים לשאר הציורים בקומפוזיציה או בצבע. נראה שרמברנדט לא עמד בתנאי הוועדה שלו. אבל אז, אם כן, לעולם לא היה לנו דיוקן קבוצתי שונה להפליא מהמאה ה -17.

"ארנבת" - אלברכט דירר

המכונה בדרך כלל ארנב של דירר, הכותרת הרשמית של ציור זה מכנה אותו ארנבת. הציור נמצא באוסף הקבוע של בית הספר אוסף בטלינר של ה מוזיאון אלברטינה בווינה, אוסטריה.

הוא צויר בצבעי מים וגואש, כאשר הדגשים הלבנים נעשו בגואש (ולא בלבן הלא צבוע של הנייר).

זו דוגמה מרהיבה לאופן שבו ניתן לצבוע פרווה. כדי לחקות את זה, הגישה שתנקוט תלויה בכמות הסבלנות שיש לך. אם יש לך אודלים, תצבע בעזרת מברשת דקה, שערה אחת בכל פעם. אחרת, השתמש בטכניקת מברשת יבשה או פצל את השערות על המברשת. סבלנות וסיבולת הם חיוניים. עבוד מהר מדי על צבע רטוב, והשבץ האישי מסכן להתמזג. אל תמשיך מספיק זמן והפרווה תיראה צמורה.

פרסקו לתקרה של הקפלה הסיסטינית - מיכלאנג'לו

הציור של מיכלאנג'לו של תקרת הקפלה הסיסטינית הוא אחד מציורי הקיר המפורסמים ביותר בעולם.

הקפלה הסיסטינית היא קפלה גדולה בארמון האפוסטולי, מעונו הרשמי של האפיפיור (מנהיג הכנסייה הקתולית) בוותיקן. יש בו ציורי קיר רבים שצוירו בו, על ידי כמה מהשמות הגדולים ביותר של הרנסנס, כולל ציורי קיר של ברניני ורפאל, אך הוא מפורסם ביותר בזכות ציורי הקיר על התקרה של מיכלאנג'לו.

מיכלאנג'לו נולד ב- 6 במרץ 1475 ונפטר ב- 18 בפברואר 1564. בהזמנת האפיפיור יוליוס השני עבד מיכלאנג'לותקרת הקפלה הסיסטינית ממאי 1508 עד אוקטובר 1512 (לא נעשתה עבודה בין ספטמבר 1510 לאוגוסט 1511). הקפלה נחנכה ב- 1 בנובמבר 1512, בחג כל הקדושים.

אורך הקפלה 40.23 מטר, רוחבה 13.40 מטר והתקרה 20.70 מטר מעל הקרקע בנקודה הגבוהה ביותר שלה¹. מיכלאנג'לו צייר סדרה של סצינות תנ"כיות, נביאים ואבותיו של ישו, כמו גם תכונות טרומפ'ל או ארכיטקטורה. האזור המרכזי של התקרה מתאר סיפורים מסיפורי ספר בראשית, כולל בריאת האנושות, נפילת האדם מחסד, המבול ונח.

תקרת הקפלה הסיסטינית: פרט

הפאנל המציג את בריאת האדם הוא ככל הנראה הסצנה הידועה ביותר בפרסקו המפורסם של מיכלאנג'לו על התקרה של הקפלה הסיסטינית.

בקפלה הסיסטינית בוותיקן מצוירים ציורי קיר רבים, אך היא מפורסמת ביותר בזכות ציורי הקיר על התקרה על ידי מיכלאנג'לו. שיקום נרחב בוצע בין 1980 ל -1994 על ידי מומחי אומנות הוותיקן, והסיר עשן של מאות שנים מנרות ועבודות שיקום קודמות. זה גילה צבעים בהירים הרבה יותר ממה שחשבו בעבר.

פיגמנטים ששימשו את מיכלאנג'לו כללו אוקר לאדומים וצהובים, סיליקאטים מברזל לירקות, לאפיס לזולי לכחולים ופחם לשחור.¹ לא הכל צבוע בפירוט רב כפי שהוא מופיע לראשונה. למשל דמויות בחזית מצוירות בפירוט רב יותר מאלו שברקע, ומוסיפות לתחושת העומק בתקרה.

עוד על הקפלה הסיסטינית:

• מוזיאוני הוותיקן: הקפלה הסיסטינית
• סיור וירטואלי בקפלה הסיסטינית

מקורות:
1 מוזיאוני הוותיקן: הקפלה הסיסטינית, אתר מדינת הוותיקן, גישה ל- 9 בספטמבר 2010.

מחברת לאונרדו דה וינצ'י

אמן הרנסאנס לאונרדו דה וינצ'י מפורסם לא רק בציוריו אלא גם במחברותיו. תמונה זו מציגה תמונה במוזיאון V&A בלונדון.

במוזיאון ה- V&A בלונדון יש חמש מחברות של לאונרדו דה וינצ'י באוסף. זה, המכונה קודקס פורסטר השלישי, שימש את ליאונרדו דה וינצ'י בין השנים 1490 - 1493 כשעבד במילאנו אצל הדוכס לודוביקו ספורזה.

זו מחברת קטנה, מסוג הגודל שאתה יכול בקלות לשמור בכיס המעיל. הוא מלא בכל מיני רעיונות, הערות ושרטוטים, כולל "רישומים של רגלי סוס, ציורים של כובעים ובגדים שאולי היו רעיונות לתלבושות בכדורים, וחשבון על האנטומיה של האדם רֹאשׁ."¹ אמנם אינך יכול להפוך את דפי המחברת במוזיאון, אך תוכל לדפדף בה באופן מקוון.

קריאת כתב ידו אינה קלה, בין הסגנון הקליגרפי לבין השימוש בכתיבת מראה (אחורה, מימין לשמאל) אבל יש כאלה שמרתק לראות איך הוא מכניס כל מיני סוגים לאחד מחברת. זו מחברת עובדת ולא מופע ראווה. אם אי פעם דאגת כי שלך יומן יצירתיות איכשהו לא נעשה או היה מאורגן כראוי, קח את ההובלה שלך מהמאסטר הזה: עשה את זה כמו שאתה צריך.

<sub>מָקוֹר:
1. חקור את Forster Codices, V&A Museum. (גישה ל- 8 באוגוסט 2010.)</sub>

"המונה ליזה" - לאונרדו דה וינצ'י

לאונרדו דה וינצ'יציור "מונה ליזה", בלובר בפריס, הוא ללא ספק הציור המפורסם ביותר בעולם. זו כנראה הדוגמה הידועה ביותר ל sfumato, טכניקת ציור האחראית בחלקה לחיוכה החידתי.

היו הרבה ספקולציות לגבי מי האישה בציור. זה נחשב לדיוקן של ליסה ג'רארדיני, אשתו של סוחר בדים פלורנטיני בשם פרנצ'סקו דל ג'וקונדו. (סופר האמנות וזארי מהמאה ה -16 היה בין הראשונים שהציעו זאת ב"חיי האמנים "). כמו כן, הוצע כי הסיבה לחיוכה היא שהיא בהריון.

היסטוריונים לאמנות יודעים לאונרדו החל את "מונה ליזה" בשנת 1503, כשרשומה על כך נערך באותה שנה על ידי פקיד בכיר בפלורנטין, אגוסטינו וספוצ'י. כשסיים, זה פחות בטוח. במקור תיאר הלובר את הציור ל- 1503-06, אך תגליות שהתגלו בשנת 2012 מצביעות על כך שהוא עשוי היה להיות כמו עשור מאוחר יותר לפני שסיימה אותה על בסיס הרקע שהתבסס על ציור של סלעים שהוא ידוע שעשה בהם 1510-15.¹ הלובר שינה את התאריכים ל- 1503-19 במרץ 2012.

מָקוֹר:
1. מונה ליזה הייתה יכולה להסתיים עשור מאוחר יותר ממה שחשבו בעיתון האמנות, על ידי מרטין ביילי, 7 במרץ 2012 (גישה אליו 10 במרץ 2012)

ציירים מפורסמים: מונה בגיברני

תמונות הפניה לציור: "הגן בגיברני" של מונה.

חלק מהסיבה שהצייר האימפרסיוניסטי קלוד מונה מפורסם כל כך היא ציוריו של ההשתקפויות בבריכות השושן שיצר בגינתו הגדולה בגיברני. זה נתן השראה במשך שנים רבות, עד סוף ימיו. הוא שרטט רעיונות לציורים בהשראת הבריכות, והוא יצר ציורים קטנים וגדולים הן כיצירות בודדות כסדרות.

חתימתו של קלוד מונה

הדוגמה הזו לאופן שבו מונה חתם על ציוריו היא מאחד מציורי שושני המים שלו. אתה יכול לראות שהוא חתם עליו בשם ושם משפחה (קלוד מונה) והשנה (1904). זה בפינה הימנית התחתונה, רחוק מספיק כדי שלא ינותק על ידי המסגרת.

שמו המלא של מונה היה קלוד אוסקר מונה.

"הזריחה של התרשמות" - מונה

ציור זה של מונה העניק את השם ל סגנון אימפרסיוניסטי מהאומנות. הוא הציג אותו בשנת 1874 בפריז במה שנודע בתערוכת האימפרסיוניזם הראשון.

בביקורתו על התערוכה שכותרתה "תערוכת אימפרסיוניסטים" אמר מבקר האמנות לואי לרוי:

"טפט במצבו העוברי מוגמר יותר מאותו נוף ים."

<sub>מָקוֹר:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" מאת לואי לרוי, לה צ'אריווארי, 25 באפריל 1874, פריז. תורגם על ידי ג'ון ריבאלד ב תולדות האימפרסיוניזם, Moma, 1946, p256-61; צוטט בסלון לביאנלה: תערוכות שעשו היסטוריה של האמנות מאת ברוס אלטשולר, פיידון, עמ '42-43.</sub>

סדרת "ערימות שחת" - מונה

מונה צייר לעיתים קרובות סדרה מאותו נושא כדי לתפוס את ההשפעות המשתנות של האור, והחליף ציורים עם התקדמות היום.

מונה צייר נושאים רבים שוב ושוב, אך כל אחד מציורי הסדרה שלו שונה, בין אם זה ציור של שושן מים או ערמת שחת. מכיוון שציוריו של מונה מפוזרים באוספים ברחבי העולם, בדרך כלל רק בתערוכות מיוחדות רואים את ציורי הסדרה שלו כקבוצה. למרבה המזל, מכון לאמנות בשיקגו מכיל כמה מציורי ערימות החציר של מונה באוסף שלה, מכיוון שהם מרשימים צופים ביחד:

• ערימת חיטה
• להפשיר, שקיעה
• שקיעה, אפקט שלג
• אפקט שלג, יום מעונן
• סוף הקיץ

באוקטובר 1890 כתב מונה מכתב למבקר האמנות גוסטב גפרוי על סדרת ערימות השחת שהוא צייר ואמר:

"אני קשה בזה, עובד בעקשנות על סדרת אפקטים שונים, אבל בתקופה זו של השנה השמש שוקעת כל כך מהר שאי אפשר לעמוד בזה... ככל שאני מתקדם, אני רואה יותר שיש לעשות הרבה עבודה על מנת להעביר את מה שאני מחפש: 'מיידיות', 'המעטפה' מעל הכל, אותו אור הפרוש על הכל... אני אובססיבי יותר ויותר מהצורך למסור את מה שאני חווה, ואני מתפלל שיישארו לי עוד כמה שנים טובות כי אני חושב שאוכל להתקדם קצת בכיוון הזה... " ¹

<sup>מָקוֹר: ​
1. מונה בעצמו, עמ '172, בעריכת ריצ'רד קנדל, מקדונלד ושות', לונדון, 1989.</sup>

"חבצלות מים" - קלוד מונה

קלוד מונה, "חבצלות מים", ג. 19140-17, שמן על בד. גודל 65 3/8 x 56 אינץ '(166.1 x 142.2 ס"מ). באוסף של מוזיאונים לאמנויות יפות בסן פרנסיסקו.

מונה הוא אולי המפורסם ביותר מבין האימפרסיוניסטים, במיוחד בזכות ציוריו של ההשתקפויות בבריכת השושן בגן גיברני. ציור מסוים זה מציג מעט ענן בפינה הימנית העליונה ואת הכחולים המנומרים של השמים כפי שהם משתקפים במים.

אם תלמד תמונות של הגן של מונה, כמו זו של בריכת השושן של מונה וזה של פרחי שושן, ותשווה אותם לציור זה, לקבל תחושה כיצד מונה צמצם את הפרטים באמנותו, כולל רק את מהות הסצנה, או את הרושם של ההשתקפות, המים והשושן פֶּרַח. לחץ על הקישור "צפה בגודל מלא" מתחת לתמונה לעיל לקבלת גרסה גדולה יותר בה קל יותר להרגיש את עבודות המכחול של מונה.

המשורר הצרפתי פול קלודל אמר:

"הודות למים, [מונה] הפך לצייר את מה שאנחנו לא יכולים לראות. הוא מתייחס לאותו משטח רוחני בלתי נראה המפריד בין האור להשתקפות. תכלת אוורירית בשבי תכלת נוזלי... צבע עולה מתחתית המים בעננים, במערבולות. "

^{מָקוֹר:}
עמוד 262 אמנות המאה שלנו, מאת ז'אן לואי פרייר ויאן לה פיצ'ון

חתימת קמיל פיסארו

הצייר קמיל פיסארו נוטה להיות פחות מוכר מרבים מבני דורו (כמו מונה) אך יש לו מקום ייחודי בציר הזמן האמנותי. הוא עבד כאימפרסיוניסט וגם כניאו-אימפרסיוניסט, וכן השפיע על אמנים מפורסמים כיום כמו סזאן, ואן גוך וגוגן. הוא היה האמן היחיד שהציג בכל שמונת בתי הספר תערוכות אימפרסיוניסטיות בפריס בין השנים 1874-1886.

דיוקן עצמי של ואן גוך (1886/1887)

זֶה דְיוֹקָן על ידי וינסנט ואן גוך נמצא באוסף של המכון לאמנות בשיקגו. הוא צויר בסגנון הדומה לפוינטיליזם אך אינו נצמד לנקודות בלבד.

בשנתיים שבהן התגורר בפריז, בין השנים 1886-1888, צייר ואן גוך 24 דיוקנאות עצמיים. המכון לאמנות בשיקגו תיאר זאת כמי שמשתמש ב"טכניקת הנקודות "של סוראת לא כשיטה מדעית, אלא כ"אינטנסיבית שפה רגשית "בה" הנקודות האדומות והירוקות מטרידות ומתיישבות לחלוטין עם המתח העצבני הניכר בספרו של ואן גוך. מַבָּט."

במכתב כמה שנים לאחר מכן לאחותו, וילהלמינה, כתב ואן גוך:

"ציירתי שתי תמונות שלי בזמן האחרון, לאחת מהן יש דווקא את האופי האמיתי, אני חושב, אם כי בהולנד הם כנראה ילעגו לרעיונות הנוגעים לציור פורטרטים כאן... אני תמיד חושב שתצלומים מתועבים, ואני לא אוהב שיהיה להם בסביבה, במיוחד לא של אנשים שאני מכיר ואוהב... דיוקנאות צילומים נובלים הרבה יותר מהר ממה שאנחנו עצמנו, ואילו הדיוקן המצויר הוא דבר שמורגש, נעשה באהבה או בכבוד לבן האדם המתואר. "

מָקוֹר:
מכתב ל- Wilhelmina van Gogh, 19 בספטמבר 1889

חתימתו של וינסנט ואן גוך

בית הקפה הלילי מאת ואן גוך נמצא כעת באוסף הגלריה לאמנות של אוניברסיטת ייל. ידוע כי ואן גוך חתם רק על הציורים שהוא היה מרוצה מהם במיוחד, אך מה שאינו שגרתי במקרה של ציור זה הוא שהוסיף כותרת מתחת לחתימתו, "Le café de Nuit".
שימו לב ואן גוך חתם על ציוריו בפשטות "וינסנט", לא "וינסנט ואן גוך" וגם לא "ואן גוך".

במכתב לאחיו תיאו, שנכתב ב- 24 במרץ 1888, אמר:

"בעתיד צריך להכניס את שמי לקטלוג כשאני חותם עליו על הבד, כלומר וינסנט ולא ואן גוך, מהסיבה הפשוטה שהם לא יודעים לבטא את השם האחרון כאן."

"כאן" בהיותו ארל, בדרום צרפת.
אם תהיתם כיצד אתם מבטאים את ואן גוך, זכרו שזה שם משפחה הולנדי, לא צרפתי או אנגלי. אז מבטאים את ה"גוך ", ולכן הוא מתחרז ב"לוך" הסקוטי. זה לא "goff" וגם לא "go".

ליל הכוכבים - וינסנט ואן גוך

ציור זה, שהוא אולי הציור המפורסם ביותר של וינסנט ואן גוך, נמצא באוסף בבית מוזיאון של אמנות מודרנית בניו יורק.
ואן גוך צייר ליל הכוכבים ביוני 1889, לאחר שציין את כוכב הבוקר במכתב לאחיו תיאו שנכתב בסביבות ה- 2 ביוני 1889: "הבוקר אני ראיתי את הארץ מחלוני זמן רב לפני הזריחה, בלי שום דבר מלבד כוכב הבוקר, שנראה גדול מאוד. "כוכב הבוקר (למעשה כוכב הלכת ונוס, לא כוכב) נחשב בדרך כלל לבן הגדול שצויר רק משמאל למרכז הציור.
באותיות קודמות של ואן גוך מוזכרים גם הכוכבים ושמי הלילה, והרצון שלו לצייר אותם:

1. "מתי אי פעם אעבור לעשות את השמים המכוכבים, את התמונה הזאת שתמיד בראש שלי?" (מכתב לאמיל ברנרד, 18 ביוני 1888)
2. "באשר לשמיים המכוכבים, אני כל הזמן מקווה לצייר אותו, ואולי אעשה זאת בימים אלה" (מכתב לתיאו ואן גוך, 26 בספטמבר 1888).
3. "כרגע אני בהחלט רוצה לצייר שמיים מכוכבים. לעתים קרובות נראה לי שהלילה עדיין צבעוני יותר עשיר מהיום; בעל גוונים של הסיגולים, הכחולים והירוקים העזים ביותר. אם רק תשימו לב אליו תראו שכוכבים מסוימים הם צהוב לימון, אחרים ורודים או ברק ירוק, כחול ושכח אותי לא... ניכר כי הצבת נקודות לבנות קטנות על הכחול-שחור אינה מספיקה כדי לצייר שמים מכוכבים. "(מכתב לווילהלינה ואן גוך, 16 בספטמבר 1888)

מסעדת דה לה סירנה, באסניירה - וינסנט ואן גוך

ציור זה של וינסנט ואן גוך נמצא באוסף מוזיאון אשמולן באוקספורד, בריטניה. ואן גוך צייר את זה זמן קצר לאחר שהגיע לפריס בשנת 1887 לגור עם אחיו תיאו במונמארטר, שם ניהל תיאו גלריה לאמנות.
לראשונה, וינסנט נחשף לציורי האימפרסיוניסטים (במיוחד מונה) ופגש אמנים כמו גוגן, טולוז-לוטרק, אמיל ברנרד ופיסארו. בהשוואה ליצירתו הקודמת, שנשלטה על ידי גווני אדמה כהים האופייניים לציירים בצפון אירופה כמו רמברנדט, ציור זה מראה את השפעתם של אמנים אלה עליו.
הצבעים בהם השתמש התבהרו והתבהרו, ועבודות המכחול שלו הפכו רופפות יותר ויותר. תסתכל על הפרטים האלה מהציור, ותראה איך הוא השתמש במשיכות קטנות של צבע טהור, מבודדות. הוא לא מערבב צבעים על הבד אלא מאפשר לזה לקרות בעיני הצופה. הוא מנסה את צבע שבור הגישה של האימפרסיוניסטים.
בהשוואה לציוריו המאוחרים, רצועות הצבע מרוחקות זו מזו, וביניהן מראה רקע ניטרלי. הוא עדיין לא מכסה את כל הבד בצבע רווי, ולא מנצל את האפשרויות של שימוש במכחולים ליצירת מרקם בצבע עצמו.

מסעדת דה לה סירנה, באסניירה מאת וינסנט ואן גוך (פרט)

פרטים אלה מציורו של ואן גוך 'המסעדה דה לה סירנה' באסניירה (באוסף המוזיאון האשמוליאני) מראים כיצד הוא התנסה בעבודות המכחול ובמכחוליו לאחר חשיפה לציורי האימפרסיוניסטים ושאר פריזאים עכשוויים אמנים.

"ארבעה רקדנים" - אדגר דגה

אדגר דגה, ארבעה רקדנים, ג. 1899. שמן על בד. גודל 59 1/2 x 71 אינץ '(151.1 x 180.2 ס"מ). בתוך ה הגלריה הלאומית לאמנות, וושינגטון.

"דיוקן אמו של האמן" - שורק

זה אולי הציור המפורסם ביותר של ויסלר. כותרתו המלאה היא "סידור באפור ושחור מס '1, דיוקן אמו של האמן". אמו הסכימה להצטלם לציור כאשר הדוגמנית ויסלר השתמשה בחולה. בתחילה הוא ביקש ממנה להתייצב בעמידה, אך כפי שניתן לראות הוא נכנע והניח לה לשבת.
על הקיר תחריט של ויסלר, "רציף האריות השחורים". אם אתה מסתכל בזהירות רבה על הווילון משמאל למעלה ממסגרת התחריט תראה כתם קל יותר, זה סמל הפרפר שוויסלר נהג לחתום על ציוריו. הסמל לא תמיד היה זהה, אך הוא השתנה, וצורתו משמשת לתארוך יצירות האמנות שלו. ידוע שהוא התחיל להשתמש בו עד 1869.

"תקווה II" - גוסטב קלימט

"מי שרוצה לדעת עלי משהו - כאמן, הדבר הבולט היחיד - צריך להסתכל היטב בתמונות שלי ולנסות לראות בהן מה אני ומה אני רוצה לעשות." קלימט.

גוסטב קלימט צייר תקווה II על בד בשנת 1907/8 תוך שימוש בצבעי שמן, זהב ופלטינה. גודלו 43.5x43.5 "(110.5x110.5 ס"מ). הציור הוא חלק מאוסף ה מוזיאון של אמנות מודרנית בניו יורק.
תקווה II הוא דוגמה יפה של השימוש של קלימט בעלה זהב בציורים וסגנון הנוי העשיר שלו. תראה איך הוא צייר את הבגד שלבשה הדמות הראשית, איך זה צורה מופשטת מעוטרת בעיגולים ובכל זאת אנחנו עדיין 'קוראים' אותו כגלימה או שמלה. איך בתחתית הוא מתמזג בשלושת הפרצופים האחרים.
בביוגרפיה המאוירת שלו על קלימט אמר מבקר האמנות פרנק וויטפורד:

קלימט "החל עלי זהב וכסף אמיתיים כדי להעצים עוד יותר את הרושם שהציור הוא אובייקט יקר, לא מרחוק מראה שבה ניתן להציץ בטבע אלא חפץ מחושל בקפידה. " ²

זו סמליות שעדיין נחשבת תקפה בימינו בהתחשב בזהב שעדיין נחשב כמצרך יקר ערך.
קלימט חי בווינה באוסטריה ושאב את השראתו יותר מהמזרח מאשר מהמערב, ממקורות כמו אמנות ביזנטית, עבודות מתכת מייקניות, שטיחים ומיניאטורות פרסיות, הפסיפסים של כנסיות רוונה ויפנים מסכים. " ³
מָקוֹר:
1. אמנים בהקשר: גוסטב קלימט מאת פרנק וויטפורד (קולינס אנד בראון, לונדון, 1993), כריכה אחורית.
2. שם. p82.
3. נקודות עיקריות של MoMA (מוזיאון לאמנות מודרנית, ניו יורק, 2004), עמ ' 54

חתימתו של פיקאסו

זו החתימה של פיקאסו על ציורו משנת 1903 (מתקופתו הכחולה) שכותרתו "שותה האבסינת".
פיקאסו התנסה בגרסאות מקוצרות שונות של שמו כחתימת הציור שלו, כולל ראשי תיבות הקיפו, לפני שהעלו את "פבלו פיקאסו". היום בדרך כלל אנו שומעים אותו מכונה פשוט "פיקאסו."

שמו המלא היה: פבלו, דיגו, חוזה, פרנסיסקו דה פאולה, חואן נפומוצ'נו, מריה דה לוס רמדיוס, ציפריאנו, דה לה סנטיסימה טרינידד, רואיס פיקאסו¹.
​
<sub>מָקוֹר:
1. "סכום של הרסות: תרבויותיו של פיקאסו ויצירת הקוביזם", מאת נטשה סטלר. הוצאת אוניברסיטת ייל. עמוד 209.</sub>

"שותה האבסינת" - פיקאסו

ציור זה נוצר על ידי פיקאסו בשנת 1903, בתקופתו הכחולה (תקופה בה גוונים של כחול שלטו בציוריו של פיקאסו; כשהיה בשנות העשרים לחייו). הוא מציג את האמן אנג'ל פרננדז דה סוטו, שהתלהב מחגיגה ושתייה יותר מציורו¹, וששיתף סטודיו עם פיקאסו בברצלונה בשתי הזדמנויות.
הציור הועמד למכירה פומבית ביוני 2010 על ידי קרן אנדרו לויד וובר לאחר שבארצות הברית הושגה הסדר מחוץ לבית המשפט בנושא הבעלות, בעקבות טענה של צאצאי הבנקאי היהודי-גרמני פול פון מנדלסון-ברתולדי, כי הציור היה בכפייה בשנות השלושים בזמן המשטר הנאצי ב גֶרמָנִיָה.

<sub>מָקוֹר:
1. בית המכירות הפומביות של כריסטי ידיעה לתקשורת, "כריסטי תציע את יצירת המופת של פיקאסו", 17 במרץ 2010.</sub>

"הטרגדיה" - פיקאסו

פבלו פיקאסו, הטרגדיה, 1903. שמן על עץ. גודל 41 7/16 x 27 3/16 אינץ '(105.3 x 69 ס"מ). בתוך ה הגלריה הלאומית לאמנות, וושינגטון.

זה מהתקופה הכחולה שלו, כאשר ציוריו נשלטו, כפי שהשם מרמז, כולם על ידי בלוז.

סקיצה של פיקאסו לציור המפורסם שלו "גרניקה"

בזמן שתכנן ועבד על ציורו העצום גרניקה, פיקאסו עשה רישומים ומחקרים רבים. בתצלום נראה אחד שלו הרכב סקיצות, שכשלעצמה זה לא נראה כמו הרבה, אוסף של קווים מקושקשים.

במקום לנסות לפענח מה הדברים השונים ואיפה הם נמצאים בציור הסופי, חשוב על זה כקצרנית של פיקאסו. פָּשׁוּט ביצוע סימנים לתמונות שהחזיק במוחו. התמקד כיצד הוא משתמש בזה כדי להחליט היכן למקם אלמנטים בציור, על האינטראקציה בין אלמנטים אלה.

"גרניקה" - פיקאסו

הציור המפורסם הזה של פיקאסו הוא עצום: 11 מטר 6 ס"מ וגובה 25 מטר רוחב (3,5 x 7,76 מטר). פיקאסו צייר אותו בהזמנת הביתן הספרדי ביריד העולמי בשנת 1937 בפריס. זה במוזיאון ריינה סופיה במדריד, ספרד.

"דיוקן דה מר מינגואל" - פיקאסו

פיקאסו עשה את ציור הדיוקן הזה בשנת 1901 כשהיה בן 20. הנושא חייט קטלאני, מר מינגואל, שלפי ההערכה הוא שפיקאסו הוצג בפניו על ידי סוחר האמנות וחברו פדרו מאנאך.¹. הסגנון מראה את ההכשרה של פיקאסו בציור המסורתי ועד כמה התפתח סגנון הציור שלו במהלך הקריירה שלו. זה שהוא צבוע על נייר הוא סימן שהוא נעשה בתקופה שבה פיקאסו נשבר, עדיין לא הרוויח מספיק כסף מהאמנות שלו כדי לצייר על בד.

פיקאסו העניק למינגואל את הציור במתנה, אך מאוחר יותר קנה אותו בחזרה ועדיין היה לו במותו בשנת 1973. הציור הועלה על בד וככל הנראה שוחזר גם בהדרכתו של פיקאסו "מתישהו לפני 1969"², כשהוא צולם לספר של כריסטיאן זרוווס על פיקאסו.

בפעם הבאה שאתה באחד מאותם ויכוחים של ארוחות הערב על האופן שבו כל הציירים הלא-ריאליסטים רק מציירים תַקצִיר, קוביסטים, פוביסטים, אימפרסיוניסטים, בחרו בסגנון שלכם כי הם לא יכולים ליצור "ציורים אמיתיים", שאלו את האדם אם הם מכניסים את פיקאסו לקטגוריה זו (רובם כן), ואז ציינו את הציור הזה.

_{מָקוֹר:
1 & 2. מכירת בונהמס 17802 פרטי פריט מכירת אמנות אימפרסיוניסטית ומודרנית 22 ביוני 2010. (גישה ל- 3 ביוני 2010.)}

"דורה מאר" או "Tête De Femme" - פיקאסו

כאשר נמכר במכירה פומבית ביוני 2008, ציור זה של פיקאסו נמכר תמורת 7,881,250 ליש"ט (15,509,512 דולר ארה"ב). אומדן המכירה הפומבית עמד על שלושה עד חמישה מיליון לירות שטרלינג.

Les Demoiselles d'Avignon - פיקאסו

הציור העצום הזה (כמעט שמונה מטרים רבועים) של פיקאסו נקרא אחד החלקים החשובים ביותר של האמנות המודרנית שנוצרה אי פעם, אם לא ה הכי חשוב, ציור מכריע בפיתוח האמנות המודרנית. הציור מתאר חמש נשים - זונות בבית זונות - אך יש ויכוח רב על משמעות כל זה ועל כל ההתייחסויות וההשפעות בו.
מבקר האמנות ג'ונתן ג'ונס¹ אומר:

"מה שפגע בפיקאסו במסכות אפריקאיות [ניכרות בפניהן של הדמויות מימין] היה הדבר הברור ביותר: שהם מסווים אותך, הופכים אותך למשהו אחר - חיה, שד, א אלוהים. המודרניזם הוא אמנות שלובשת מסכה. זה לא אומר מה זה אומר; זה לא חלון אלא קיר. פיקאסו בחר את הנושא שלו בדיוק בגלל שזה היה קלישאה: הוא רצה להראות שמקוריות באמנות אינה טמונה בנרטיב, או במוסר, אלא בהמצאה פורמלית. זו הסיבה שמוטעה לראות בלס דמואיס ד'אביניון ציור "על" בתי בושת, זונות או קולוניאליזם. "

מָקוֹר:
1. הפאנקים של פאבלו מאת ג'ונתן ג'ונס, האפוטרופוס, 9 בינואר 2007.

"אישה עם גיטרה" - ז'ורז 'בראק

ז'ורז 'בראק, אישה עם גיטרה, 1913. שמן ופחם על בד. 51 1/4 x 28 3/4 אינץ '(130 x 73 ס"מ). במוזיאון הלאומי ד'ארט מודרן, מרכז ז'ורז 'פומפידו, פריז.

הסטודיו האדום - אנרי מאטיס

ציור זה נמצא באוסף של מוזיאון לאמנות מודרנית (Moma) בניו יורק. הוא מציג את פנים הסטודיו לציור של מאטיס, עם פרספקטיבה שטוחה או מישור תמונה יחיד. קירות הסטודיו שלו לא היו אדומים, הם היו לבנים; הוא השתמש באדום בציור שלו לצורך אפקט.
מוצגים בסטודיו שלו כמה מיצירות האמנות שלו וחתיכות ריהוט סטודיו. קווי המתאר של הרהיטים בסטודיו שלו הם קווים בצבע החושפים צבע משכבה נמוכה יותר, צהובה וכחולה, שאינם צבועים על גבי האדום.

1. "קווים זוויתיים מרמזים על עומק, והאור הכחול-ירוק של החלון מעצים את תחושת המרחב הפנימי, אך מרחב האדום משטיח את התמונה. מאטיס מגביר את האפקט הזה על ידי למשל השמטת הקו האנכי של פינת החדר. "
- נקודות השיא של MoMA, פורסם על ידי Moma, 2004, עמוד 77.

2. "כל האלמנטים... לשקוע בזהותם האישית במה שהפך למדיטציה ממושכת על אמנות וחיים, מרחב, זמן, תפיסה ואופי המציאות עצמה... צומת לציור מערבי, שבו האמנות הקלאסית של המבט החיצוני, המייצגת בעיקר, פגשה את האתוס הזמני, המופנם וההתייחסות העצמית של העתיד... "
- הילארי ספורלינג,, עמוד 81.

הריקוד - אנרי מאטיס

התמונה העליונה מציגה את הציור המוגמר של מאטיס שכותרתו הריקוד, הושלם בשנת 1910 וכעת במוזיאון ההרמיטאז 'הממלכתי בסנט פטרסבורג, רוסיה. התמונה התחתונה מציגה את המחקר הקומפוזיטיבי בגודל מלא שעשה לציור, שנמצא כעת אמא בניו יורק, ארה"ב. מאטיס צייר אותו בהזמנת אספן האמנות הרוסי סרגיי שצ'וקין.
זהו ציור ענק, רוחבו כמעט ארבעה מטרים וגובהו שניים וחצי (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), והוא צבוע בפלטה המוגבלת לשלושה צבעים: אדום, ירוק וכחול. אני חושב שזה ציור שמראה מדוע למטיס יש מוניטין כל כך של צבע, במיוחד כשמשווים את המחקר לציור הסופי עם הדמויות הזוהרות שלו.
בביוגרפיה שלה על מאטיס (בעמוד 30), הילארי ספורלינג אומרת:

"אלה שראו את הגרסה הראשונה של לִרְקוֹד תיאר אותו כחיוור, עדין, אפילו חלומי, צבוע בצבעים שהועברו... בגרסה השנייה לאפריז עז ושטוח של דמויות ורמיליות הרוטטות נגד להקות של ירוק בהיר ושמים. בני זמננו ראו בציור אלילי ודיוניסי. "

שים לב לפרספקטיבה המשטוחה, כיצד הדמויות באותה גודל ולא אלה המרוחקות מלהיות קטנות יותר כפי שהתרחש בפרספקטיבה או מקוצר לציורי ייצוג. כיצד מעוקל הקו בין הכחול לירוק מאחורי הדמויות, מהדהד את מעגל הדמויות.

"המשטח נצבע לרוויה, עד לנקודה שבה נוכח סופית כחול, הרעיון של כחול מוחלט. ירוק בוהק לאדמה ורמיליות תוססת לגופים. עם שלושת הצבעים האלה הייתה לי הרמוניה של אור וגם טוהר של טון. "- מאטיס

מָקוֹר:
"מבוא לתערוכת From רוסית למורים ותלמידים" מאת גרג האריס, האקדמיה המלכותית לאמנויות, לונדון, 2008.

ציירים מפורסמים: וילם דה קונינג

הצייר וילם דה קונינג נולד ברוטרדם בהולנד ב- 24 באוגוסט 1904, ונפטר בלונג איילנד, ניו יורק, ב -19 במרץ 1997. דה קונינג התמחה בחברה לאמנות וקישוטים מסחריים כשהיה בן 12 והשתתף בשיעורי ערב באקדמיה לאמנויות וטכניקות ברוטרדם במשך שמונה שנים. הוא היגר לארצות הברית בשנת 1926 והחל לצייר במשרה מלאה בשנת 1936.

סגנון הציור של דה קונינג היה אקספרסיוניזם מופשט. הייתה לו תערוכת יחיד ראשונה בגלריית צ'רלס איגן בניו יורק בשנת 1948, עם גוף עבודות בצבע אמייל שחור-לבן. (הוא התחיל להשתמש בצבע אמייל מכיוון שלא יכול היה להרשות לעצמו פיגמנטים של האמן.) בשנות החמישים הוא הוכר כ אחד ממנהיגי האקספרסיוניזם המופשט, אף על פי שחלק מטהרני הסגנון חשבו שציוריו (כגון שֶׁלוֹ אִשָׁה סדרות) כלולות יותר מדי מהצורה האנושית.

ציוריו מכילים רבדים רבים, אלמנטים חופפים ומוסתרים בזמן שעיבד ועבד מחדש ציור. מותר להציג שינויים. הוא צייר על בדיו בפחם בהרחבה, להרכב הראשוני ותוך כדי הציור. עבודת המכחול שלו היא תנועתית, אקספרסיבית, פרועה, עם תחושת אנרגיה מאחורי המשיכות. הציורים הסופיים נראים מבטים אך לא היו.

התפוקה האמנותית של דה קונינג התפרשה על פני כמעט שבעה עשורים וכללה ציורים, פסלים, רישומים והדפסים. ציוריו האחרונים מקור בסוף שנות השמונים. ציוריו המפורסמים ביותר הם מלאכים ורודים (ג. 1945), חֲפִירָה (1950), והשלישי שלו אִשָׁה סדרות (1950–53) שנעשו בסגנון צבעוני יותר ובאלתור אלתור. בשנות הארבעים עבד במקביל בסגנונות מופשטים וייצוגיים. פריצת הדרך שלו הגיעה עם יצירותיו המופשטות בשחור-לבן בין השנים 1948–49. באמצע שנות החמישים הוא צייר את ההפשטות האורבניות, וחזר לביצוע בשנות ה -60, ואז לאובסטרקציות המחוות הגדולות בשנות השבעים. בשנות השמונים של המאה העשרים התחל דה קונינג לעבודה על משטחים חלקים, כשהם מזוגגים בצבעים בהירים ושקופים על פני שברי רישומי מחווה.

גותי אמריקאי - גרנט ווד

גותי אמריקאי הוא כנראה המפורסם מבין כל הציורים שהאמן האמריקני גרנט ווד יצר אי פעם. זה עכשיו במכון לאמנות בשיקגו.

גרנט ווד צייר את "אמריקן גותי" בשנת 1930. זה מתאר גבר ובתו (לא אשתו¹) עומדים מול ביתם. גרנט ראה את הבניין ששימש השראה לציור באלדון, איווה. הסגנון האדריכלי הוא אמריקאי גותי, שם הציור מקבל את שמו. הדוגמניות לציור היו אחותו של ווד ורופאת השיניים שלהם.². הציור חתום בסמוך לקצה התחתון, על סרבל הגבר, עם שם האמן והשנה (גרנט ווד 1930).

מה פירוש הציור? ווד התכוון שזו תהיה עיבוד מכובד של דמותם של האמריקנים המערב-מערביים, המראה את האתיקה הפוריטנית שלהם. אך ניתן היה לראות זאת כהערה (סאטירה) על חוסר הסובלנות של אוכלוסיות כפריות כלפי זרים. הסמליות בציור כוללת עבודת פרך (קלשון) ובית (עציצים וסינר עם הדפס קולוניאלי). אם תסתכל מקרוב, תראה את שלושת החודים של הקלשון מהדהדים בתפרים על סרבל הגבר וממשיכים במעלה הפסים שעל חולצתו.

^{מָקוֹר:
גותי אמריקאי, המכון לאמנות בשיקגו, אוחזר ב -23 במרץ 2011.}

"ישו של יוחנן הקדוש מהצלב" - סלבדור דאלי

ציור זה מאת סלבדור דאלי נמצא באוסף של הגלריה והמוזיאון לאמנות קלווינגרוב בגלזגו, סקוטלנד. זה הוצג לראשונה בגלריה ב- 23 ביוני 1952. הציור נקנה תמורת 8,200 ליש"ט, שנחשב למחיר גבוה למרות שהוא כלל את זכויות היוצרים שאיפשרו לגלריה להרוויח דמי שכפול (ולמכור אינספור גלויות!).
זה היה יוצא דופן שדאלי מכר את זכויות היוצרים לציור, אך הוא נזקק לכסף. (זכויות היוצרים נשארות אצל האמן אלא אם כן הוא חתום עליו, ראה שאלות נפוצות בנושא זכויות יוצרים של האמן.)

"ככל הנראה בקשיים כלכליים, דאלי ביקש בתחילה 12,000 ליש"ט אך לאחר מיקוח קשה... הוא מכר אותו תמורת כמעט שליש פחות וחתם על מכתב לעיר [גלזגו] בשנת 1952 ויתר על זכויות יוצרים.

כותרת הציור היא התייחסות לרישום שהעניק השראה לדאלי. רישום העט והדיו נעשה לאחר חזון של יוחנן הצלב הקדוש (נזיר כרמלית ספרדי, 1542–1591) בו ראה את צליבתו של ישו כאילו הוא מביט בו מלמעלה. הקומפוזיציה מרשימה בזכות נקודת המבט יוצאת הדופן שלה על צליבת ישו, התאורה דרמטית זורקת חזק צללים, ושימוש נהדר שנעשה בו מקוצר באיור. הנוף בתחתית הציור הוא הנמל של עיר הולדתו של דאלי, פורט ליגת בספרד.
הציור היה שנוי במחלוקת מבחינות רבות: הסכום ששולם עבורו; הנושא; הסגנון (שנראה רטרו ולא מודרני). קראו עוד על הציור באתר הגלריה.

מָקוֹר:
"מקרה סוריאליסטי של תמונות דאלי וקרב על רישיון אמנותי"מאת סוורין קרל, האפוטרופוס, 27 בינואר 2009

קופסאות המרק של קמפבל - אנדי וורהול

פרט מאנדי וורהול קופסאות המרק של קמפבל. אקריליק על בד. 32 ציורים כל אחד 20x16 "(50.8x40.6 ס"מ). באוסף של מוזיאון לאמנות מודרנית (MoMA) בניו יורק.
וורהול הציג לראשונה את סדרת ציורי פחי המרק של קמפבל בשנת 1962, כאשר החלק התחתון של כל ציור מונח על מדף כמו פחית בסופר. בסדרה יש 32 ציורים, מספר זני המרק שנמכרו אז על ידי קמפבל.
אם דמיינת את וורהול גרב את המזווה בפחיות מרק, ואז אוכל פחית כשסיים לצייר, נראה שזה לא. על פי האתר של Moma, וורהול השתמש ברשימת מוצרים של קמפבל כדי להקצות טעם שונה לכל ציור.
כשנשאל על כך אמר וורהול:

"הייתי שותה את זה. פעם אכלתי את אותה ארוחת צהריים כל יום, במשך עשרים שנה, אני מניח, אותו דבר שוב ושוב. "¹

גם לוורהול לא היה צו שהוא רוצה שהציורים יוצגו בו. מומה מציג את הציורים "בשורות המשקפות את הסדר הכרונולוגי בו הוצגו [המרקים], החל מ'עגבניה 'בפינה השמאלית העליונה, שהופיעה לראשונה בשנת 1897."

אז אם אתה מצייר סדרה ותרצה שתוצג בסדר מסוים, דאג לרשום זאת איפשהו. הקצה האחורי של הציורים הוא כנראה הטוב ביותר שכן הוא לא יופרד מהציור (אם כי הוא עלול להסתתר אם הציורים ממוסגרים).
וורהול הוא אמן שלעתים קרובות מוזכר על ידי ציירים שרוצים ליצור עבודות נגזרות. ראוי לשים לב לשני דברים לפני שעושים דברים דומים:

1. עַל האתר של מומא, יש אינדיקציה לרישיון של קופבל'ס מרק קו (כלומר, הסכם רישוי בין חברת המרק לעזבונו של האמן).
2. נראה כי אכיפת זכויות יוצרים הייתה פחות בעיה בימיו של וורהול. אל תניח הנחות זכויות יוצרים על בסיס עבודתו של וורהול. עשה את המחקר והחליט מה רמת הדאגה שלך לגבי מקרה אפשרי של הפרת זכויות יוצרים.

קמפבל לא הזמין את וורהול לעשות את הציורים (אם כי הם הזמינו אחד מהם ליו"ר הדירקטוריון הפורש בשנת 1964) היו חששות כאשר המותג הופיע בציוריו של וורהול בשנת 1962, תוך שהוא נוקט בגישה לחכות ולראות כדי לשפוט מה התגובה ל ציורים. בשנים 2004, 2006 ו -2012 קמפבל מכר פחים עם תווי זיכרון מיוחדים של וורהול.

<sub>מָקוֹר:
1. כפי שצוטט בתאריך מומא, גישה ל- 31 באוגוסט 2012.</sub>

עצים גדולים יותר ליד וורטר - דייוויד הוקני

חלק עליון: האמן דייוויד הוקני ניצב לצד חלק מציור השמן שלו "Bigger Trees Near Warter", אותו תרם לבריטניה בטייט באפריל 2008.
תַחתִית: הציור הוצג לראשונה בתערוכת קיץ 2007 באקדמיה המלכותית בלונדון, ותפסה את כל הקיר.
ציור השמן של דייוויד הוקני "עצים גדולים יותר ליד וולטר" (נקרא גם Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) מתאר סצנה ליד ברידלינגטון ביורקשייר. הציור עשוי 50 בדים המסודרים זה לצד זה. בנוסף, הגודל הכולל של הציור הוא 4.6x12 מטר (40x15 רגל).
בזמן שהוקני צייר אותו, זו הייתה היצירה הגדולה ביותר שהשלים אי פעם, אם כי לא הראשונה שיצר באמצעות כמה בדים.

" עשיתי את זה כי הבנתי שאני יכול לעשות את זה בלי סולם. כשאתה מצייר אתה צריך להיות מסוגל לחזור אחורה. ובכן, ישנם אמנים שנהרגו החוזרים מסולמות, לא?"
הוקני ציטט א רויטר דו"ח חדשות, 7 באפריל 2008.

הוקני השתמש ברישומים ובמחשב כדי לעזור בקומפוזיציה ובציור. לאחר השלמת קטע צולמה תמונה כדי שיוכל לראות את כל הציור במחשב.

"ראשית, הוקני שרטט רשת המראה כיצד הסצנה תשתלב מעל 50 פאנלים. ואז הוא התחיל לעבוד על לוחות בודדים באתרם. בזמן שעבד עליהם הם הצטלמו והפכו אותם לפסיפס מחשב כדי שיוכל לתאר את התקדמותו, שכן יכול להיות שיש לו רק שישה לוחות על הקיר בכל פעם. "

מָקוֹר:
שרלוט היגינס, אַפּוֹטרוֹפּוֹס כתב אמנויות, הוקני תורם עבודה ענקית לטייט, 7 באפריל 2008.

ציורי המלחמה של הנרי מור

ה תערוכת הנרי מור בגלריית טייט בריטניה בלונדון התקיימה בין התאריכים 24 בפברואר עד 8 באוגוסט 2010.

האמן הבריטי הנרי מור הוא המפורסם ביותר בפסליו, אך ידוע גם בדיו, בשעווה וב- ציורי צבעי מים של אנשים המסתתרים בתחנות הרכבת התחתית בלונדון במהלך מלחמת העולם השנייה. מור היה אמן מלחמה רשמי, וב -2010 תערוכת הנרי מור בגלריה טייט בריטניה יש חדר המוקדש לאלה. שנערך בין סתיו 1940 לקיץ 1941, תיאוריו של דמויות ישנות הצטופפו ברכבת המנהרות תפסו תחושת ייסורים שהפכה את המוניטין שלו והשפיעה על התפיסה העממית של בליץ. עבודתו בשנות החמישים שיקפה את תוצאות המלחמה ואת הסיכוי לעימות נוסף.
מור נולד ביורקשייר ולמד בבית הספר לאמנות לידס בשנת 1919, לאחר ששירת במלחמת העולם הראשונה. בשנת 1921 זכה במלגה לקולג 'המלכותי בלונדון. בהמשך לימד בקולג 'המלכותי וכן בבית הספר לאמנות בצ'לסי. משנת 1940 מור התגורר בפרי גרין בהרטפורדשייר, כיום ביתה של ארצות הברית קרן הנרי מור. בביאנלה בוונציה בשנת 1948 זכה מור בפרס הפיסול הבינלאומי.

"פרנק" - צ'אק סגור

"פרנק" מאת צ'אק קלוז, 1969. אקריליק על בד. גודל 108x84x3 אינץ '(274.3x213.4x7.6 ס"מ). בתוך ה המכון לאמנות במיניאפוליס.

לוצ'יאן פרויד דיוקן עצמי ודיוקן תמונות

האומן לוסיאן פרויד ידוע במבטו העז והבלתי סלחני, אך כפי שמופיע הדיוקן העצמי הזה, הוא מפנה אותו על עצמו, לא רק על הדוגמניות שלו.

1. "אני חושב שדיוקן נהדר קשור ל... התחושה והאינדיבידואליות ועוצמת ההתייחסות והמיקוד בספציפי. " ¹
2. "... אתה צריך לנסות לצייר את עצמך כאדם אחר. עם דיוקנאות עצמיים 'דמיון' הופך לדבר אחר. אני צריך לעשות את מה שאני מרגיש בלי להיות אקספרסיוניסט. " ²

<sup>מָקוֹר:
1. לוסיאן פרויד, צוטט בפרויד בעבודה עמ '32-3. 2. לוסיאן פרויד צוטט בלוסיאן פרויד מאת ויליאם פיבר (הוצאת טייט, לונדון 2002), עמ '43.</sup>

"אביה של מונה ליזה" - ריי ריי

"אביה של מונה ליזה" מאת מאן ריי, 1967. רפרודוקציה של ציור המותקן על גבי סיבית, עם תוספת סיגר. גודל 18 x 13 5/8 x 2 5/8 אינץ '(45.7 x 34.6 x 6.7 ס"מ). באוסף של מוזיאון הירשורן.
אנשים רבים מקשרים את מאן ריי רק לצילום, אך הוא היה גם אמן וצייר. הוא היה חברים עם האמן מרסל דושאן ועבד בשיתוף פעולה איתו.
במאי 1999, חדשות אמנות המגזין כלל את מאן ריי ברשימת 25 האמנים המשפיעים ביותר במאה ה -20 על צילומיו וחקירת הסרטים, הציור, הפיסול, הקולאז ', הרכבה. אבות טיפוס אלה ייקראו בסופו של דבר אמנות ביצועים ואמנות קונספטואלית. "

חדשות ארט אמרו:

"מאן ריי הציע לאמנים בכל אמצעי התקשורת דוגמה לאינטליגנציה יצירתית שב"חתירה להנאה ולחירות" [ההנחיה המוצהרת של מאן ריי עקרונות] פתחו כל דלת שהגיעה אליה והלכו בחופשיות לאן שהיו עושים. "(מקור ציטוט: Art News, מאי 1999," פרובוקטור רצון "מאת AD קולמן.)

היצירה הזו, "אביה של מונה ליזה", מראה כיצד רעיון פשוט יחסית יכול להיות יעיל. החלק הקשה הוא להביא את הרעיון מלכתחילה; לפעמים הם באים כמבזק של השראה; לפעמים כחלק מסיעור מוחות של רעיונות; לפעמים על ידי פיתוח ורדיפה אחר מושג או מחשבה.

ציירים מפורסמים: איב קליין

רֶטרוֹספֶּקטִיבִי: תערוכת איב קליין במוזיאון הירשהורן בוושינגטון, ארה"ב, מה -20 במאי 2010 עד ה -12 בספטמבר 2010.

האמן איב קליין מפורסם ככל הנראה בזכות יצירות האמנות המונוכרומטיות שלו המציגות את הכחול המיוחד שלו (ראה למשל "מכחול חי"). IKB או הבינלאומי קליין כחול הוא כחול אולטראמרין שהוא ניסח.

כינה את עצמו "צייר החלל", קליין "ביקש להשיג רוחניות לא מהותית באמצעות צבע טהור" ועסק ב"השקפות העכשוויות של האופי הרעיוני של האמנות ".¹.

קליין עשתה קריירה קצרה יחסית, פחות מעשר שנים. עבודתו הציבורית הראשונה הייתה ספר אמן איב פיינטורס ("ציורי איב"), ראה אור בשנת 1954. התערוכה הציבורית הראשונה שלו הייתה בשנת 1955. הוא נפטר מהתקף לב בשנת 1962, בן 34. (ציר הזמן של חייו של קליין מ ה ארכיון איב קליין.)

<sub>מָקוֹר:
1. איב קליין: עם החלל, הכוחות המלאים, מוזיאון הירשהורן, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? מפתח = 21 ומפתח משנה = 252, גישה אליו 13 במאי 2010.</sub>

"מכחול חי" - איב קליין

ציור זה של האמן הצרפתי איב קליין (1928-1962) היא אחת הסדרות שהוא כן השתמש ב"מברשות צבע חיות ". הוא כיסה את דוגמניות הנשים העירומות בצבע הכחול החתימה שלו (אינטרנשיונל קליין בלו, IKB) ואז בפיסת אומנות פרפורמנס מול קהל ש"צייר "איתם על גיליונות נייר גדולים על ידי כיוון אותם באופן מילולי.
הכותרת "ANT154" נגזרת מהערה של מבקר האמנות, פייר רסטני, המתאר את ציורים שהופקו כ"אנתרופומטריות של התקופה הכחולה ". קליין השתמש בראשי התיבות ANT כסדרה כותרת.

ציור שחור - אד ריינהרדט

"יש משהו לא בסדר, חסר אחריות וחסר מחשבה בצבע; משהו שאי אפשר לשלוט בו. שליטה ורציונליות הם חלק מהמוסר שלי. " - אד ריינהרד בשנת 1960 ¹

ציור מונוכרום זה של האמן האמריקאי עד ריינהרדט (1913-1967) נמצא במוזיאון לאמנות מודרנית (Moma) בניו יורק. זה 60x60 "(152.4x152.4 ס"מ), שמן על בד, וצויר 1960-61. בעשור האחרון וקצת מחייו (הוא נפטר בשנת 1967), ריינהרדט השתמש רק בשחור בציוריו.
איימי סיה, שצילם את התמונה, אומר כי הסדרן מציין כיצד הציור מחולק לתשעה ריבועים, כל אחד מהם בגוון שחור אחר.
אל תדאג אם אתה לא יכול לראות את זה בתמונה. קשה לראות גם כשאתה מול הציור. בָּה חיבור על ריינהרדט עבור הגוגנהיים, ננסי ספקטור מתארת ​​את ציורי הקנבס של ריינהרדט כ"ריבועים שחורים מושתקים המכילים צורות צלב צלביות שאינן ניכרות [שמאתגרות את גבולות הראות " ².
<sup>מָקוֹר:
1. צבע באמנות מאת ג'ון גייג ', עמ' 205
2. ריינהרדט מאת ננסי ספקטור, מוזיאון גוגנהיים (גישה אל 5 באוגוסט 2013)</sup>

ציור לונדון של ג'ון וירטוס

האמן הבריטי ג'ון וירטוס צייר נופים מופשטים בשחור-לבן בלבד מאז 1978. ב- DVD שהופק על ידי הגלריה הלאומית בלונדון, Virtue אומר שעבודה בשחור-לבן מכריחה אותו "להיות ממציא... להמציא מחדש." צבע חריף "מעמיק התחושה שלי איזה צבע יש... התחושה של מה שאני רואה... היא הטובה ביותר, באופן מדויק יותר ומועבר יותר על ידי כך שאין לי פלטת שמן צֶבַע. הצבע יהיה ללא מוצא. "
זהו אחד מציוריו של ג'ון וירטו בלונדון, שנעשה בזמן שהיה אמן עמית בגלריה הלאומית (בין השנים 2003-2005). ה אתר הגלריה הלאומית מתאר את ציוריו של Virtue כבעלי "זיקה לציור מכחול מזרחי ואקספרסיוניזם מופשט אמריקאי" ומתייחסים מקרוב ל"האנגלים הגדולים " ציירי הנוף, טרנר וקונסטבל, אותם סגולה מעריצה מאוד "וכן הושפעו מהנופים ההולנדים והפלמיים של רויסדייל, קונינק ו רובנס ".
סגולה לא נותנת כותרות לציוריו, אלא רק מספרים. בראיון בגיליון אפריל 2005 של אומנים ומאיירים המגזין, Virtue אומר שהוא החל למנות את עבודתו באופן כרונולוגי עוד בשנת 1978 כשהחל לעבוד במונוכרום:

"אין היררכיה. לא משנה אם זה 28 מטר או שלושה סנטימטרים. זה יומן לא מילולי של קיומי. "

ציוריו נקראים בסך הכל "נוף מס '45" או "נוף מס' 630" וכן הלאה.

סל האמנות - מייקל לנדי

תערוכת Art Bin של האמן מייקל לנדי התקיימה ב גלריה דרום לונדון בין התאריכים 29 בינואר עד 14 במרץ 2010. הרעיון הוא עצום (600 מטר³) פח פסולת המובנה בחלל הגלריה, בו נזרקת אמנות, "אנדרטה לכישלון יצירתי"¹.
אבל לא סתם אמנות ישנה; היית צריך להגיש בקשה לזרוק את האמנות שלך לפח, באופן מקוון או בגלריה, כשמיכאל לאנדי או אחד מנציגיו החליטו אם ניתן לכלול אותו או לא. אם התקבל, הוא הושלך לפח ממגדל בקצה האחד.

כשהייתי בתערוכה הושלכו כמה יצירות, והאדם שזרק היה הרבה תרגול מהאופן שבו הוא הצליח לגרום לציור אחד להחליק ישר לצד השני של השטח מְכוֹלָה.
הפרשנות האמנותית הולכת בדרך של מתי / מדוע אמנות נחשבת כטובה (או זבל), הסובייקטיביות ב ערך המיוחס לאמנות, מעשה איסוף האמנות, כוחם של אספני אמנות וגלריות ליצור או לשבור את האמנים קריירה.

בהחלט היה מעניין ללכת לצדדים ולראות מה נזרק פנימה, מה נשבר (הרבה חתיכות פוליסטירן) ומה לא (רוב הציורים על הבד היו שלמים). אי שם בתחתית היה הדפסת גולגולת גדולה מעוטרת בזכוכית מאת דמיאן הירסט ופיסה מאת טרייסי אמין. בסופו של דבר, מה שיכול להיות יהיה ממוחזר (למשל אלונקות נייר וקנבס) וכל השאר נועדו להטמנה. נקבר כזבל, ככל הנראה לא ייחפר מאות שנים מעכשיו על ידי ארכיאולוג.

_{מָקוֹר:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), אתר הגלריה של דרום לונדון, גישה ל- 13 במרץ 2010.}

ברק אובמה - שפרד פיירי

ציור זה של הפוליטיקאי האמריקני ברק אובמה, קולאז 'מעורבב בעל תקשורת מעורבת, נוצר על ידי אמן הרחוב מבוסס לוס אנג'לס, שפרד פיירי. זו הייתה תמונת הדיוקן המרכזית ששימשה בקמפיין הבחירות לנשיאות אובמה בשנת 2008, והופצה כהדפסה במהדורה מוגבלת והורדה בחינם. הוא נמצא כעת בגלריית הדיוקנאות הלאומית בוושינגטון הבירה.

1. "כדי ליצור את פוסטר אובמה שלו (שהוא עשה תוך פחות משבוע), פיירי תפס תצלום חדשותי של המועמד מהאינטרנט. הוא חיפש אובמה שנראה נשיאותי... לאחר מכן פשט האמן את הקווים והגיאומטריה והשתמש בפלטה פטריוטית אדומה, לבנה וכחולה (שהוא משחק איתה על ידי הפיכת הלבן לבז 'והכחול לגוון פסטל)... מילים בולטות ...
2. "כרזותיו של אובמה (והרבה מעבודותיו המסחריות והאמנותיות) הן עיבודים מחדש של הטכניקות של תעמולה מהפכנית - הצבעים הבהירים, האותיות הנועזות, הפשטות הגיאומטרית, תנוחות הרואיות. "

מָקוֹר: ​
"אישור על הקיר של אובמה" מאת ויליאם בות, וושינגטון פוסט 18 במאי 2008.

"רקוויאם, ורדים לבנים ופרפרים" - דמיאן הירסט

האמן הבריטי דמיאן הירסט מפורסם ביותר בזכות בעלי החיים השמורים בפורמלדהיד, אך בתחילת שנות הארבעים לחייו חזר לציור שמן. באוקטובר 2009 הציג לראשונה בלונדון ציורים שנוצרו בין השנים 2006-2008. זו דוגמה לציור שעדיין לא מפורסם של אמן מפורסם מגיע משלו תערוכה באוסף וואלאס בלונדון שכותרתו "No Love Lost". (תאריכים: 12 באוקטובר 2009 עד 24 בינואר 2010.)
חדשות ה - BBC ציטט את הירסט באומרו.

"עכשיו הוא רק מצייר ביד", שבמשך שנתיים "הציורים שלו" היו מביכים ולא רציתי כל אחד שייכנס. "ושהוא" נאלץ ללמוד מחדש לצייר לראשונה מאז שהיה אמנות בגיל העשרה סטוּדֶנט."¹

בהודעה לעיתונות המלווה את תערוכת וואלאס נכתב:

"'ציורים כחולים' מעידים על כיוון חדש ונועז בעבודתו; סדרת ציורים שלדברי האמן 'מחוברים עמוק לעבר'. "

הנחת צבע על בד היא בהחלט כיוון חדש עבור הירסט, ובמקום שאליו הולך הירסט, תלמידים לאמנות עשויים ללכת בעקבותיו. ציור שמן יכול להיות אופנתי שוב.
המדריך של About.com לנסיעות בלונדון, לורה פורטר, הלכה לתצוגה המקדימה של העיתונות של הירסט וקיבלה תשובה לשאלה האחת שהייתי רוצה לדעת: באילו פיגמנטים כחולים הוא השתמש?

לורה נאמר שזה "כחול פרוסי לכולם פרט לאחד מ -25 הציורים, שהוא שחור. "לא פלא שזה כחול כהה כהה ועשן!
מבקר האמנות אדריאן סירל מ האפוטרופוס לא היה נוח במיוחד לגבי ציוריו של הירסט:

"במקרה הגרוע ביותר, הציור של הירסט פשוט נראה חובבני ומתבגר. עבודות המכחול שלו חסרות את הרגש והפאנש שגורמים לך להאמין בשקרים של הצייר. הוא עדיין לא יכול לבצע את זה. "²

<sub>מָקוֹר:
1 הירסט 'מוותר על בעלי חיים כבושים', חדשות BBC, 1 באוקטובר 2009
2. "הציורים של דמיאן הירסט הם משעממים קטלניים, "אדריאן סירל, אַפּוֹטרוֹפּוֹס, 14 באוקטובר 2009.</sub>

אמנים מפורסמים: אנטוני גורמלי

אנטוני גורמלי הוא אמן בריטי, אולי המפורסם ביותר בזכות פסלו מלאך הצפון, שנחשף בשנת 1998. הוא ניצב בטינסייד, צפון מזרח אנגליה, באתר שהיה פעם סוכנות, ומסביר את פניכם בכנפיו ברוחב 54 מטר.
ביולי 2009 יצירות האמנות של Gormley על המסד הרביעי בכיכר טרפלגר בלונדון ראתה מתנדב עומד שעה על הבסיס, 24 שעות ביממה, במשך 100 יום. שלא כמו הבסיסים האחרים בכיכר טרפלגר, הבסיס הרביעי ממש מחוץ לגלריה הלאומית, אינו כולל פסל קבוע. חלק מהמשתתפים היו אמנים בעצמם, ושרטטו את נקודת המבט יוצאת הדופן שלהם (תמונה).
אנטוני גורמלי נולד בשנת 1950 בלונדון. הוא למד במכללות שונות בבריטניה ובבודהיזם בהודו וסרי לנקה, לפני שהתמקד בפיסול בבית הספר לאמנות סלייד בלונדון בין 1977 ל -1979. תערוכת היחיד הראשונה שלו הייתה בגלריה לאמנות Whitechapel בשנת 1981. בשנת 1994 זכה גורמלי בפרס טרנר עם "שדה האי הבריטי".
הביוגרפיה שלו על שלו אתר אינטרנט אומר:

... אנטוני גורמלי החיה מחדש את הדימוי האנושי בפיסול באמצעות חקירה רדיקלית של הגוף כמקום של זיכרון וטרנספורמציה, תוך שימוש בגופו שלו כסובייקט, כלי וכחומר. מאז 1990 הוא הרחיב את דאגתו למצב האנושי לחקור את הגוף הקולקטיבי ואת היחסים בין עצמי לאחרים במתקנים רחבי היקף ...

גורמלי לא יוצר את סוג הדמות שהוא עושה כי הוא לא יכול לעשות פסלים בסגנון מסורתי. במקום זאת הוא נהנה מההבדל ומהיכולת שהם נותנים לנו לפרש אותם. בראיון עם הזמנים¹, הוא אמר:

"פסלים מסורתיים אינם עוסקים בפוטנציאל, אלא במשהו שכבר הושלם. יש להם סמכות מוסרית שהיא מעיקה ולא משתפת פעולה. העבודות שלי מכירות בריקנותן. "

^{מָקוֹר:
אנטוני גורמלי, האיש ששבר את התבנית מאת ג'ון פול פלינטוף, הטיימס, 2 במרץ 2008.}

ציירים בריטיים עכשוויים מפורסמים

משמאל לימין, האמנים בוב ורוברטה סמית ', ביל וודרו, פאולה רגו, מייקל קרייג-מרטין, מגי המלינג, בריאן קלארק, קתי דה מונצ'ו, טום פיליפס, בן ג'ונסון, טום האנטר, פיטר בלייק, ואליסון וואט.
האירוע היה צפייה בציור דיאנה ואקטאון מאת טיציאן (שלא נראה, משמאל) בגלריה הלאומית בלונדון, במטרה לגייס כספים לרכישת הציור לגלריה.

אמנים מפורסמים: לי קרזנר וג'קסון פולוק

משני הציירים האלה, ג'קסון פולוק מפורסם יותר מלי קרסנר, אך ללא תמיכתה וקידומה ביצירות האמנות שלו, ייתכן מאוד שלא יהיה לו מקום בציר הזמן האמנותי שהוא עושה. שניהם צוירו בסגנון אקספרסיוניסטי מופשט. קרסנר נאבק על שבחים ביקורתיים בזכות עצמה, במקום להיחשב רק כאשתו של פולוק. קרסנר הותיר אחריו מורשת להקים את קרן פולוק-קרזנר, המעניק מענקים לאמנים חזותיים.

סולם כן של לואי אסטון נייט

לואי אסטון נייט (1873-1948) היה אמן אמריקאי יליד פריז הידוע בציורי הנוף שלו. בתחילה הוא התאמן תחת אביו האמן, דניאל רידגוויי נייט. הוא הציג בסלון הצרפתי לראשונה בשנת 1894 והמשיך בכך לאורך כל חייו תוך שהוא זוכה לשבחים באמריקה. הציור שלו הזוהר נרכש בשנת 1922 על ידי נשיא ארה"ב וורן הרדינג עבור הבית הלבן.
תמונה זו מה ארכיונים לאמנות אמריקאית, למרבה הצער, לא נותן לנו מיקום, אבל אתה צריך לחשוב שכל אמן מוכן לדעוך אליו המים עם סולם הציור והצבעים שלו היו מסורים מאוד לתצפית על הטבע או למדי שואו.

1897: כיתת אמנות נשים

תמונה זו משנת 1897 מהארץ ארכיונים לאמנות אמריקאית מציג שיעור אומנות נשים עם המדריך וויליאם מריט צ'ייס. בעידן ההוא גברים ונשים השתתפו בשיעורי אמנות בנפרד, שם, בשל הזמנים, נשים היו בר מזל מספיק שהצליחו בכלל להשיג השכלה לאמנות.

בית הספר לאמנות קיץ 1900

תלמידי אמנות בכיתות הקיץ של בית הספר סנט פול לאמנויות יפות, מנדוטה, מינסוטה, הצטלמו בשנת 1900 עם המורה ברט הארווד.
מלבד האופנה, כובעי שמש גדולים מעשיים מאוד עבור ציור בחוץ מכיוון שהוא מרחיק את השמש מעיניך ומונע את כוויות הפנים שלך (כמו גם חלק עליון עם שרוולים ארוכים).

"הספינה של נלסון בבקבוק" - יינקה שוניבר

לפעמים זה קנה מידה של יצירות אמנות שנותן לו השפעה דרמטית, הרבה יותר מהנושא. "הספינה של נלסון בבקבוק" מאת יינקה שוניבר היא חתיכה כזו.

"הספינה של נלסון בבקבוק" מאת יינקה שוניבר היא ספינה בגובה 2.35 מטר בתוך בקבוק גבוה עוד יותר. זהו העתק בקנה מידה 1:29 של ספינת הדגל של המשנה אדמירל נלסון, HMS ניצחון.
"הספינה של נלסון בבקבוק" הופיע על הבסיס הרביעי בכיכר טרפלגר בלונדון ב- 24 במאי 2010. המסד הרביעי עמד ריק החל משנת 1841 ועד שנת 1999, אז הראשונה מתוך סדרה מתמשכת של יצירות אמנות עכשוויות, שהוזמנה במיוחד על הבסיס קבוצת המזמין הרביעי של המסד.
היצירה שלפני "ספינת נלסון בבקבוק" הייתה One & Other מאת אנטוני גורמלי, בה עמד אדם אחר על הסדר במשך שעה, מסביב לשעון, במשך 100 יום.
בין השנים 2005-2007 יכולת לראות פסל מאת מארק קווין, אליסון לאפר בהריון, והחל מנובמבר 2007 זה היה מודל למלון 2007 מאת תומאס שוטה.
עיצובי הבטיק על מפרשי "ספינת נלסון בבקבוק" הודפסו ביד על ידי האמן על בד, בהשראת בד מאפריקה וההיסטוריה שלה. הבקבוק הוא 5x2.8 מטר, עשוי פרספקס ולא זכוכית, והבקבוק נפתח מספיק גדול כדי לטפס פנימה כדי לבנות את הספינה.